NEO
Neo：前綴. 嶄新的，近代的，修訂後的，或被復興的
聚焦新興畫廊及新銳藝術家的平台
「Neo」展區再度回歸 Art Central，為首年及第二年參展的畫廊提供平台，展示前衛或尚未被發掘的藝術家。繼去年 Neo 展區成功首次亮相後，策展人鄭得恩於今屆展會中匯聚15家畫廊和33位藝術家，呈獻更具突破性的創作。Neo 展區體現 Art Central 在頂尖當代藝術市場中，致力培育藝術家及畫廊的承諾與責任。
在「Neo」展區中，藝術家圍繞與感知、傳統及複雜而無法言喻的情感等主題，運用創新技法突破各自題材及媒介的界限，銳利地審視世界。他們使用刮削與焚香處理風景攝影、描繪夜行動物、利用生成性數位生態系統重新定義自然的視覺語言，並透過碎片化、多層次的結構重塑個人及文化的歷史，以獨特的藝術視角檢視我們與自然及環境建構間不斷演變的關係。部分作品將皮膚的觸感轉譯為紡織品，定格並重新詮釋平凡的時刻，或融合歷史資料與人工智能生成圖像，喚起深刻的情感共鳴。它們共同反映著人類經驗的脆弱、懷舊情結與文化記憶的重量，以及在這個由環境變化、技術快速進步和社會變革塑造的時代中靜謐的不安。
Areté Space
成立於2023年
北京
Areté Space 呈獻三位藝術家對後真相時代中人類情感轉變的探索。劉正勇以極具表現力的粗獷筆觸捕捉扭曲現實中的內心掙扎，反映人世變遷中複雜的心理狀態。陳國寶以畫筆描繪旅行與愛情的快照，記錄生活化場景中人與人之間稍縱即逝的連結。石榴的多媒體裝置融合承載歷史感的材料與深度偽造影像，直面社交媒體中瞬時情感的迅速傳播，審視生成式人工智能對歷史真實性的挑戰。
Guobao Chen, 4 Feasting on Youth 4, 2019, oil painting stick, oil, bar code, canvas on board, 28 x 21 cm
Courtesy of the artist and Areté Space
瑀空間
成立於2022年
上海
瑀空間呈獻三位藝術家，檢視文化價值及對自然的當代感知。陳抱陽結合新媒體元素及原始獸性的動物形象，以此反思數碼及人工智能時代中人與動物的關係。糜晟豪的畫作則聚焦夜行動物，探索人類在自然界未知的蹤跡中的感知極限。于方通過繪畫邀請觀眾通過標誌性的中式園林窗戶窺探人造景觀，進而挑戰我們觀察與想像自然的視角。
Yu Fang, Mask, 2024, oil on canvas, 45 x 60 cm.
Courtesy of the artist and Astra Art
庫比森畫廊
成立於2020年
上海
鄭蘭雄的裝置作品如夢境般展開。他在一個類似浴室的環境中，呈現出親密的恐懼與懷舊意象。精緻的蛋彩木板畫捕捉稍縱即逝的瞬間，例如失去牙齒的感覺，喚起一種既遙遠又親切的奇妙感覺。內省的空間反映藝術家內向的性格和渴望被聽見的靜謐，在都市生活中引起深度情感共鳴。
Zheng Lanxiong, DOLL, 2024, tempera on board, 20 x 30 cm
Courtesy of the artist and Cub_ism_Artspace
FIM
成立於2024年
首爾
Sujin Lee 的作品懸置於日常生活中的瞬間，如電影定格中封存的複雜情感，邀請觀眾思考人類存在的脆弱性。她的繪畫靜謐而充滿力量，描繪著手指在鍵盤上打字、黑暗背景下的手握著銀製勺子，或是汽車沉入水中的場景，傳遞微妙而強烈的焦慮。她的軟氈雕塑則將具體的形象，如營火或沉入水中的汽車，轉化為細膩而可觸的形式，將不安的心理狀態具象化。
Sujin Lee, Way Home Night (detail), 2022, wool felt, 22.5 x 16.5 x 5 cm
Courtesy of the artist and FIM
Galerie Pici
成立於2003年
首爾，紐約
Shinduk Kang 以富表現力的色彩與動態形狀重新詮釋靜物畫作和陶土雕塑。Shinduk Kang 利用創新的光柵印刷進行創作，融合鮮豔的色調及流暢的線條解讀傳統式樣，為日常事物注入流動性。富有節奏感的構圖創造出迷人的時刻，邀請觀眾一同思考生命的活力、轉瞬即逝的美麗及文化美學。
Shinduk Kang, Tulip, 2025, lenticular, 90 x 62 cm
Courtesy of the artist and Galerie Pici
Gallery CNK
成立於2019年
大邱
兩位藝術家透過女性視角探索情感的強度，將各自創作媒介的表象推向顯露及隱藏。Sookyoung Lee 的繪畫由色彩鮮明的線條與模糊的形狀構成，抽象形式間看似稚拙的互動蘊含著交流的可能，而平面的靜止則隱含著色彩重量外潛在的張力。Jaeeun Jeon 的靈感源於對祖母縫紉的童年回憶，她將布料、線、抽屜、木盒等日常材料融入作品中，建構新的符號與意義，並透過細緻而感性的組合，邀請觀眾探索自身的懷舊之情。
Jaeeun Jeon, A Letter in a Drawer, 2022, mixed media and fabric on canvas, 36 x 51 cm
Courtesy of the artist and Gallery CNK
Intersections
成立於2012年
新加坡
Intersections 畫廊呈獻三位藝術家對東南亞不斷演變的景觀及文化敘述的反思。Nge Lay 將檔案影像與當代攝影結合，運用氰版藍曬、藍色負片及印章式元素，探索存在的循環本質，並質疑記憶與歷史如何隨時間推移而被塑造。Gede Sayur 結合峇里傳統宗教繪畫技法與流行文化元素，以幽默與深思呈現大規模旅遊業對峇里環境與文化遺產的影響。詩人兼藝術家 Maung Day 透過素描記錄他在若開邦城鎮的旅程，捕捉緬甸地景變遷中的流動現實。
Maung Day, Children Playing Near the Prison Wall One Sun Is Enough 2, 2024, acrylic on paper, 55 x 77 cm
Courtesy of the artist and Intersections Gallery
Ivory Gate Gallery
成立於2023年
上海
象牙門畫廊呈獻 Atticus Gordon 的個展，其裝置作品以繪畫及雕塑，展現出獨特的世界。Atticus Gordon 的創作根源於早期接受的模型製作訓練，這一過程鼓勵他探索園藝、繪畫、建築等富有創造性及觸感的技能，並啟發他在雕塑作品中以微型透視柱的形式模糊藝術與建築的邊界。同時， Atticus Gordon 的繪畫遊走於具象與抽象之間，常以大膽而具表現力的筆觸及鮮明的色彩對比，描繪人類在自然及人工環境曖昧融合中的處境，喚起難以言喻的情感，吸引觀眾進入一個拒絕被輕易闡釋的世界。
Atticus Gordon, Diamond Star, 2024, oil on panel, 9 x 12”
Courtesy of the artist and Ivory Gate Gallery
Meno Parkas Gallery
成立於1997年
考那斯
Meno Parkas Gallery 呈獻三位藝術家，他們的作品在時間的流逝中重建了各自的世界。Remigijus Treigys 的攝影作品捕捉空曠的城市景觀，以明膠銀鹽相紙進行限量印製，底片在沖印後隨即銷毀。這些底片攝影帶有灰塵與刮痕的紋理，展現出時間的瞬息萬變。Gabrielė Aleksė 的繪畫描繪了一個虛構的世界，未知的建築與天空和水相遇，彷彿將瞬間凝固成永恆。Aistė Ambrazevičiūtė 的影像裝置結合樹皮、三維雕塑及流動影像，投射出一個自我生成的數碼生態系統。他更參考了歷史植物，如在森林中生長、腐敗，超越人類時間感知的地衣。
Aiste Ambrazeviciute, Forest Tectonics, 2022
Courtesy of the artist and Meno Parkas Gallery
MJK Gallery
成立於2022年
東京
MJK Gallery 呈獻兩位藝術家，他們的作品捕捉了感官體驗的稍縱即逝。大塚聡將裁切為條狀的相片拼組於透明壓克力尺下，以嶄新視角挑戰將自然視為絕對真理的觀念。另一件作品中，柔光於舊鐘內閃爍跳動，喚起詩意的時間——如同黃昏前天空中藍調時刻的短暫餘暉。西村大樹的創作歷經兩個繁複的階段：藝術家透過刮削與焚香轉化風景攝影，並將其融入鋁質繪畫，賦予畫面斑駁的質感。這些處理後的影像啟發了西村大樹的繪畫創作，他描繪因了人類活動而引發的野火與水災，促使觀者思考自身在環境災害中的角色。
Satoshi Otsuka, Puzzle #30, 2016, cibachrome, mounted on acrylic glass rulers, acrylic frame, 44 x 49 x 6 cm
Courtesy of the artist and MJK Gallery
Monolog Gallery
成立於2022年
貝爾格勒
Monolog Gallery 呈獻 Ema Bregovic 的一系列雕塑作品，展現觸感紋理與幾何結構的融合。裝置的核心是對瑪麗蓮·夢露著名連衣裙的重新詮釋，將這件經典服飾轉化為鑽石般棱角分明的雕塑。這些反射性的作品在光影變化間增強永恆與短暫的對比，褪去物件的歷史魅力，懸置於堅硬與脆弱之間，超越其作為財富象徵的符號，承載更廣泛的文化意義。
Ema Bregovic, Vera I (from the Vera series), 2025, faceted reflective alloy, mineral-organic sediment, 60 x 30 x 25 cm
Courtesy of the artist and Monolog Gallery
None Project C14 Gallery
成立於2012年
上海，東京
None Project C14 Gallery 呈獻三位藝術家，揭示自然與人類經驗中隱而未見的維度。孫堯以動感筆觸與神秘色彩注入強烈情感，塑造宇宙未知中起伏流動「波浪」，喚起人與自然之間的深度精神聯繫。傅羽將攝影視作紀錄與素描的媒介，以黑白鏡頭捕捉被忽略的日常景象，揭示隱藏於其中的秩序與脈絡。張煒懿運用拓印技法在陶土中保存自然的有機紋理，層層疊加的物料留下細微印記，映照隨時間流轉的生長與變化。
Fu Yu, Reflection of River Rocks, 2019, gelatin silver print mounted to board image, 19.5 x 22.4 cm
Courtesy of the artist and None Project C14 Gallery
落雁畫廊
成立於2022年
倫敦
三位藝術家遊走於感知、物質性與意義的流動邊界，重新思考我們如何拆解與構建現實。缪嘉隆想像有機生命與機械共生的未來，創作模糊自然與科技邊界的陶瓷化石。邱佳豪以大膽的抽象筆觸為傳統水墨注入新意，以魚鉤隱喻欲望與社會張力。Fernando M. Romero 將繪畫視作轉譯工具，重疊文本、音樂與影像片段，探索溝通方式的不斷轉變。
Jiahao Qiu, Hand, 2021, ink on paper, 150 x 150 x 5 cm
Courtesy of the artist and Swanfall Gallery
The Locker Room
成立於2020年
紐約
Faustine Badrichani 的混合媒體作品探索環境質變與女性靜默的韌性。她在自然環境中成長，父親是石膏廠的地質學家，這樣的背景讓她在創作中展現出與物質、轉化及生命週期敏感度之間的深厚聯繫。她的織物壁毯受身體拓印啟發，將皮膚的觸感轉化為纖維語言，而三聯畫則保留了乳房切除前的印記。在燈箱作品中，醫學 X 光造影與水彩碰撞，反映了個體與自身免疫疾病的掙扎。在女性形態的線性石膏雕塑中，鏽蝕的痕跡致敬原始元素的演變，將身體根植於大地的物質性中。此項目由 Aurore Vullierme 為 The Locker Room 策劃。
Faustine Badrichani, Lena, 2024, ink and pigments on paper, 102 x 225 cm
Courtesy of the artist and Aurore Vullierme for the Locker Room
Yiwei Gallery
成立於2019年
洛杉磯
Yiwei Gallery 呈獻藝術家戴瑩和陳十三的雙人展，探索時間的冥想本質。戴瑩色彩豐富的宣紙繪畫反映與自然力量及能量場的深度聯繫；重複的線條與圈狀圖形創造出個人身份與轉化的沉思空間。陳十三從鐘錶學和中國傳統木造建築中汲取實踐經驗，重新詮釋精密儀器中的機械運動與結構原理，並以當代視角解構文化遺產。兩位藝術家將藝術設計與精密工程、計時雕塑及繪畫結合，形成對話，探討時間瞬息萬變又永恆不變的存在。
Dai Ying, M-Theory 61, 2024, Chinese pigments, Japanese pigments, acrylic, coloured pencil on Xuan paper, 30 x 48.5 x 4 cm
Courtesy of the artist and Yiwei Gallery
Neo: 前綴. 嶄新的，近代的，修訂後的，或被復興的
Neo由Art Central策劃，為首年及第二年參展的畫廊提供機會，讓他們能夠在一個小而顯眼的空間中展示尖端或未被發掘的藝術家。Art Central 2024 策展顧問鄭得恩挑選了11間畫廊及15位藝術家參與此嶄新頂目。Neo致力於這個作為亞洲最大的當代藝術市場的博覽會平台，領頭培育藝術家及畫廊。
Neo展區注重策展，藝術家們通過對材料、流派和主題的實驗性探索展示出卓越的創作，包括通過3D程序探索新的雕塑方法；、用沙子或紋身針作畫；創造創新的再生面料；將視頻遊戲美學融合至與宗教物品；將攝影作品照片轉化為雕塑；用羊毛氈制作裝置藝術。這些在生涯前期及中期的初、中期藝術家邀請觀眾進一步探索這些藝術作品美麗外表以下隱含的內涵，以此喚起我們對於一系列重要議題的思考，包括現代女性的角色、消費主義、環境可持續性、傳統價值觀、宗教、過往以及對社會混亂的不安情感。
貝恩福邁藝術中心
成立於2021年
蘇州
英國越南裔表演藝術家KIMVI、和中國藝術家林文在現代社會的廢墟中找到了藝術的立錐之地。在《短暫的後人工品》的影片中，KIMVI用熱縮膠膜，把從某個被拆除的蘇州村莊收集到的瓷磚包裹起來。熱縮膠膜印有她於同一條村莊，用綠色網罩住自己的表演圖像。「後人工品」亦於她的攝影系列可見一斑：她將感光紙展露於公共空間表演的殘餘物上，以製作「後人工品」。此外，林文通過繪畫和混合媒體展現處理恐懼和焦慮的旅程。他的視覺語言聚焦至一位主角，反映社會快速加速的現象。不論可見還是暗示，他都在尋找意義或逃避——有時逃離廢墟，有時逃離人群。
KIMVI, AFTER PARTY II, 2019 (left) and PARTY TRICK II, 2019 (right), photogram, each 20.3 x 25.4 cm
Courtesy of the artist and BFM Art Center, Suzhou
biscuit gallery
成立於2021年
東京
兩位 90 年代出生的日本藝術家透過繪畫、素描、雕塑和影像，表達了她們對現代社會的不安。儘管他們的作品乍看很幽默，背後卻隱藏著令人不安的潛台詞。 山田美悠用沙子繪製她標誌性的羽毛人物形象，就像漂浮在夢幻風景中的雲彩。雲朵的質感和未經雕琢的風格暗示對自己身份的不確定感。Fukumi Nakazawa的動畫探討科技發展所造成的非人化危機。 受舞蹈、解剖學、工具和人體工學的研究啟發，Fukumi Nakazawa以定格動畫的方式將筆墨畫分層，描繪筆下的人類轉化為人工、超凡脫俗的產物。被記錄在成堆日本紙上的每次變形，最後被貼在一起，形成一個長方形物體、一個永遠密封的雕塑。
Miyu Yamada, Drive In, 2023, Acrylic and mixed media on canvas, 116.7×91cm
Photographed by Mei Hattori. Courtesy of the artist and biscuit gallery, Tokyo
庫比森畫廊
成立於2020年
上海
《南風微風》是一個雄心勃勃的項目，結合由化名 Lilyjon 的藝術家創作的錄像詩歌、劇本創作和繪畫。藝術家耗時八個月，使用大約在2010年發行的諾基亞 2690 手機，於城市中漫步時拍攝 8000 張低解析度圖片和音訊檔案，從中挑選出127張影像並結合音檔，製成一部電影，講述Lilyjon另類人格——詩人離離眾與女孩陸小梅偶遇的故事。藝術家也畫了 22 幅關於細微事物的小畫，如頭髮、指甲、嘴唇皺紋，一切都像夢境的碎片。 這個藝術計畫展現了通過創造痕跡來建構世界的艱苦而詩意的旅程。
Lilyjon, Southerly Breeze Chapter I-07: ‘When the southerly breeze comes…’, 2019, oil on canvas, 24 x 30 cm
Courtesy of the artist and Cub_ism_Artspace, Shanghai
EYECANDIES 眼糖
成立於2019年
上海
Eyecandies呈獻三位女性藝術家，在作品中探討女性在社會中的角色、關係和客體化。 在梁彦琦的作品中，一種隱喻的親密關係被縫在印有手和佛手柑水果圖案的織物上，透過連接手的線描繪人類之間相互依存關係的複雜性。王瑋珏創作引人注目的針氈羊毛藝術，以此凸顯社會規範對女性的壓抑。她的作品主題包括成人電影中的女性、家居物品和內衣。 居住在英國的瑞典藝術家 Frida Wannerberger 肖像畫中的大型女性穿著巨大的泡泡袖連身裙，將女性的歷史表現與現代服裝作為盔甲融為一體。 這些娃娃般的女性形象配上標題如「你在很多方面都讓我失望」，帶有強烈諷刺意味。
Yanqi Liang, Bergamot 02, 2023, prints and cotton threads on canvas, 50 x 50 cm
Courtesy of the artist and Eyecandies, Shanghai
ThisWeekendRoom
成立於2015年
首爾
韓國藝術家 Hansaem Kim 創作了迷人的當代奇幻雕塑作品。 藝術家以義大利經典的但丁《神曲》中，主角踏上穿越煉獄各個場景的旅程為靈感，呈現全新的藝術作品系列。該裝置以黃金、石頭、珠寶和玻璃製成的宗教和魔法符號，以及超凡脫俗的雕塑，營造紀念性的氛圍。 藝術家透過將類似電子遊戲的電腦生成圖像，和獨特宗教形狀和天體色彩的物體交融，令古典變得媚俗。Hansaem Kim以想像的美學將一個古老的故事重述為神話，檢驗了它的意義在當今世界的有效性。
Hansaem Kim, The New Matter, 2023, acrylic paint, gold leaf, pigment print and resin, 55 x 42 x 4 cm Courtesy of the artist and ThisWeekendRoom, Seoul
Gallery Palzo
成立於2010年
清道和大邱
韓國藝術家Byeonghyeon Jeong鄭秉賢的作品採用研磨的繪畫方式創作。，首先在多張韓紙（韓國傳統桑皮紙）上塗上顏料，待乾燥後重複這個過程，直到紙張完全被豐富的色調浸透。然後，他會使用紋身針在紙上細緻地雕刻線條和點，再從珍貴的韓紙層上撕下表面顏色，露出紙張的體積及其底層顏色。這一道道極度艱鉅的工序製成令人著迷的幾何構圖，吸引觀眾回應作品間關於平靜與緊張的對比。
Byeonghyeon Jeong, Ambiguous Inclination 23038, 2023, pigment on Hanji on board, 30 x 30 cm
Photographed by Samju Choi. Courtesy of the artist and Gallery Palzo, Cheongdo and Daegu.
Project K
成立於2021年
首爾
韓國藝術家 Eojin Lee 的作品《你和我們的圖騰》向為社會做出重大貢獻卻被邊緣化的勞動者致敬。 童年時，她目睹祖母使用薩滿教，為社區鄰居服務。 她從這段記憶中汲取靈感，利用自己的藝術探索其治癒靈魂的力量。 在一個新系列中，她回應了 2022 年發生的一起悲慘事件，當時韓國一家麵包店工廠的工人在操作機器時出現傷亡事故。事故中明顯缺失安全管理和勞工權利，驅使藝術家審視工作場所，尤其是工廠工人的尊嚴地位。這些思考促使藝術家用精緻的陶瓷和發現的物品創作薩滿雕塑，以此象徵著每個勞動者的精神存在，並與用於運送批量生產的商品的傳送帶並置。藝術家亦透過將薩滿薩爾普里舞蹈與人體塑像結合來創作數位繪畫，藉此隱喻低薪工人被迫讓渡的靈活性。
Eojin Lee, Are you Okay? Vol.2 (detail), 2023, mirror, thread, found objects and metal, 80 x 100 x 40 cm
Courtesy of the artist and Project K, Seoul
PBG
成立於2021年
首爾
在這個個人展覽中，韓國藝術家Surin Kim展出雕塑和畫作，探索傳統製作和數碼科技之間的邊界。Kim透過3D軟件，發掘以一種新穎方式建立形體的可能性。藝術家在虛擬的幾何空間內，運用計算公式連接線條和表面數據，創造不明物體的雕塑。藝術家混合一個女性骨架結構與光怪陸離的生物特徵，塑造一種怪異的愉悅感。Kim亦透過加入表情符號元素，重新演譯韓國傳統青瓷器，並思考現代繁榮的觀念。藝術家在一個新系列裏，將寶塔和其信徒的形象放入同一個雕塑，引發我們思考人類信仰能否帶領人類走向遙遠的未來。
Surin Kim, Ancient Times, 2023, UV print on canvas, 91 x 72.2 cm
Courtesy of the artist and PBG, Seoul
wamono art
成立於2016年
香港及東京
日本藝術家山上渡的畫作和雕塑呈現了一個物體一直漂浮在半空中的世界。藝術家用在海邊散步時收集的垃圾繪製黏液、礦物質、樹枝和樹幹等圖案。藝術家的深深焦慮源於對世界上一切都是虛構的根深蒂固的懷疑，散步、收藏、觀察和繪畫成為他緩解焦慮的方式，當中創作藝術品是他應對焦慮的一種方式，就像他進入超現實主義繪畫中的潛意識領域一樣。 因此，山上奇幻的「世界世界」系列中的漂流似乎是對「萬變始終不變」的終極承諾。
Wataru Yamakami, World of the World – Bridge, 2020, oil on canvas, 130 × 194 × 3cm
Courtesy of the artist and wamono art, Hong Kong and Tokyo
Warin Lab Contemporary
成立於2021年
曼谷
泰國藝術家 Jarupatcha Achavasmit 在煉金術雕塑作品中加入環境保護以及她在紡織和設計方面的背景元素。Jarupatcha Achavasmit 小時候跟隨她身為皇宮的裁縫和縫紉老師的祖母，學習編織、縫紉和針線活。透過藝術家對 Sakarin Krue-On 展覽後留下的巨大攝影畫布的重新加工，可見其作為藝術家對紡織品創新的興趣。Jarupatcha Achavasmit 首先將材料拆解成小條，再用回收紗線和由PET 塑膠瓶、銅、黃銅和不銹鋼製成的織物，將它們編織和交織。最終將Krue-On原始照片中的風景場景轉變為抽象場景。藝術家在攝影畫布的不同部位塗抹銅粉，產生金屬光澤，懸掛時創造出光芒四射的雕塑作品。她還使用其他回收材料，例如在海灘上發現的廢棄袋子，與照片畫布編織在一起，製作了新的掛毯。Jarupatcha Achavasmit 對材料的新穎運用，突破織物藝術在與環境保護交叉點上的界限，挑戰觀眾透過永續性的視角反思藝術。
Jarupatcha Achavasmit, Colony, 2023, photographic canvas, recycled PET yarn, copper fabric, copper strips, copper powder, dimensions variable
Courtesy of the artist and Warin Lab Contemporary, Bangkok
V&E Art
成立於2018年
台北和巴黎
「這個模糊的慾望對象」是法國藝術家托馬斯·德沃的一個項目，包括「購物者」、「人造絲」和「圖騰」系列。藝術家在這個項目中拍攝超市貨架和購物者的照片，並應用演算法將它們渲染、模糊成發光的顏色。成片其後被精心地裝框和定位，猶如一個祭壇，轉變成催眠和深沉內斂的美麗圖標。這些抽象的圖像，在它們的反光玻璃框架中邀請觀眾思考藝術家的主張：「我們是否生活在過度包裝的社會幻想中，卻忽視了日常生活的本質？」透過輻射玻璃，這件作品反映消費狂歡的夢想，在某一刻既世俗又神聖。
Thomas Devaux, “Shopper 8.8” (closeup), 2023, Pigmentprint, Dichroic glass, frame in alluminum with 22k gold leaf, 40x30cm
Courtesy of the artist and V&E ART, Taipei
