Neo
前綴. 嶄新的，近代的，修訂後的，或被復興的
聚焦新興畫廊及新銳藝術家的平台
Neo 展區第三年回歸藝術中環展會，為首年及第二年參展的畫廊提供平台，展示前衛或尚未被發掘的藝術家。策展人鄭得恩於今屆展會中匯聚十間畫廊，呈獻更具突破性的創作。Neo 體現藝術中環展會在頂尖當代藝術市場中，致力培育藝術家及畫廊的承諾與責任。
價值空間
成立於2023年
北京
林格的創作取材自敦煌壁畫、傳統刺繡與原住民族文化遺產，並將這些元素與西方現代主義美學相融，構築層次繁複的畫面場域，讓歷史記憶、文學敘事與日常體驗在此匯聚。李筱在 《身體》 《果實》 系列中，以逆光下的果實與人體形態作為靜默的情感載體，透過光線的細微流動、重複的視覺語彙與專注的凝視，營造出療癒而引人內省的視覺場域。兩位藝術家的創作清晰展現了當代繪畫中，敘事傳承與感官的生成如何作為並行的造形方法彼此交織。
瑀空間
成立於2022年
上海
瑀空間呈獻四位藝術家的創作，他們質疑既定的 「單一身份」 ，並主張自我是生命形態、文化符碼與歷史餘韻交融共生的聚合體。朱劍辰從基因層面，呈現自我的複調本質，將蛋白質結構轉化為受生物與文化數據塑造的星體形態；陳梓騏以質感柔化的金屬與編織材質構築能回應光線的立體結構。作品中細緻而通透的材質特性，指向 「自我」 作為一種不斷重組、永續生成的聚合體；Marlene Steyn 藉由繪畫與陶瓷創作，構築出一個佈滿眼眸、面容與神經般髮絲的共生世界，將個體生命與自然循環緊密相連；郭警的超寫實繪畫，將日常自我場景抽離於凡俗脈絡之外，重塑為充滿張力卻又滲透著詼諧荒誕感的隱喻性敘事。
有邊空間
成立於2014年
北京
有邊空間將展出三位藝術家，呈現人工邏輯與自然生成之間的互動。Maxim Zhestkov 的新媒體雕塑將能量關係轉化為演算法形式，構築出能感應並回應身體動作的動態雕塑系統。金日龍的創作遊走於動盪與自持之間的張力，透過暈染、簡化與重構的手法，塑造出一個模糊性與理性結構相互流通、彼此呼應的視覺場域。Andy Harper 將程式化的繪畫方法轉化為一種不斷繁衍的圖像語言；在其中，筆觸彼此延展、交織，形成既具未來感又帶有熟悉氣息的風景。
Kimreeaa Gallery
成立於2008年
首爾
三位藝術家以嚴謹的探索方式，深入研究物理與視覺層面的結構條件如何介入並形塑我們面對圖像時的空間經驗，由此展開一場關於物質性、深度層次與感知方式的藝術對話。康罕善以傳統韓紙為核心創作媒材，透過拆解與重組的過程，將其轉化為抽象構形，為這一歷史悠久的材料在當代語境中開拓出嶄新的物質身份。Hong Mihee 的半雕塑式淺浮雕繪畫由層層堆疊的卡紙構建而成，生成介於圖像與物體之間的有機質感地貌；觀者移動視角的過程，便是喚起作品感知層次變化的開關。Hwang Do You 融匯東方筆法的即興韻致與西方抽象的構圖邏輯，摒除敘事與情感渲染，萃取每一道筆觸的色彩張力與觸感質地，營造出純粹洗鍊的抽象世界，蘊含濃縮而簡樸的內在力量。
Meno Parkas Gallery
成立於1997年
考納斯
三位藝術家皆不將時間視為可供計量的單位，而是一種親身經歷的韻律；日常瑣碎的習慣化作記憶的載體，以簡約的構造承托時光的流逝，亦將其緩緩推向未來。Felicija Dudoit 執筆捕捉休閒場域裡那份精心構造的寧靜光景 —— 救生瞭望塔、遮陽傘與噴泉悉數入畫。她將人們熟悉的場景片段化為被日光洗褪的畫面，透過淡化的色階與刻意營造的靜謐氛圍，使這些景致悄然脫離日常時序，自成一格。Gintautas Trimakas 選擇以暗箱攝影等手法刻錄時間的延展。其 「Exit」 系列作品描繪了海岸沙丘間蜿蜒的木階梯群像。每一幅攝影作品都對應一次獨自往返沙丘的步履；當這些畫面並置，它們緩緩記錄著走向海邊、再歸返原地的漫長時光。Marta Frėjutė 的玻璃創作靈感源自立陶宛童年的傳統遊戲 「sekretai」 ，將細小珍物藏置於埋入土中的玻璃片下，形成隱秘的微型組合。藝術家將沙粒與各式碎片收集於通透的玻璃層下，形塑出一種微型考古學，探問著人類的好奇心、記憶的留存，以及未來重獲發現的無限可能。
MJK Gallery
成立於2022年
東京
MJK 畫廊呈現一場雙人藝術家展覽，其理念將藝術視為一個自成體系的環境，於時間、空間與感官知覺之中不斷展演與生成。新媒體藝術家 suzueri 創作沉浸式裝置作品。她以研究驅動的創作實踐將層層疊疊的歷史敘事與自製的樂器和聲音裝置相結合，將功能性的電信技術轉化為能夠協調記憶、感知和連接的詩意系統。黒宮菜菜的繪畫則構成一種基於有機物質性與緩慢累積的對位法。她以蜂蠟、壓花及其他有機物調製油彩，從神話與文學中汲取靈感，生成雕塑般、近乎化石質地的畫面，描繪自然界保存、侵蝕與更新的循環軌跡。
無糖畫廊
成立於2021年
武漢
柯明的創作實踐探討「松」字在中華文化想像體系中的多重意義，從象徵堅韌與正直的經典松樹意象，延伸至日常語境中以諧音指涉鬆弛、放下的通俗表達。柯明的作品涵蓋油畫、木雕、互動裝置和混合媒介，他賦予這些多義的詮釋以空間和形式，不僅追溯其自然形象，也描繪一套關於內在感知的語法——那些在緊繃與放鬆之間細微流轉的狀態，如何在不知不覺中形塑我們的生活經驗。
The Gallery by SOIL 土壤文創
成立於2012年
香港
鵜飼康平的創作著重彰顯材質本身的原始生命力，並以克制與專注的態度精準拿捏其表達尺度。他的作品以木材為原料雕刻成形，再反覆施以細緻耐心的漆層（日式天然漆）；透過這種緩慢積累的創作過程，每一層漆料都細緻承載並回應著其下的形體，讓材質的內在特性與藝術家的塑形意念得以自然交融。最終誕生的作品，兼具豐厚觸感與瑩潤光澤，清晰詮釋出藝術家對 「自然」 與 「工藝」 的執著堅守 —— 視之為一種活態的創作實踐，將樸素的原生質料，化為引人沉潛冥想的雕塑形體。
V&E Art
成立於2018年
台北與巴黎
V&E ART 呈現兩位法國藝術家以藍色為基點展開的對話，追溯單一色域如何延展為對比鮮明的物質世界——一個由光線塑造，另一個源自筆觸與動勢。Thomas Devaux 的攝影作品精準自反，以高度控制的斷裂與重組手法解構商業影像，質詢消費文化背後的誘惑機制。他運用具雙重發光特性的反光雙色玻璃，將觀者的自身倒影融入圖像之中，揭示了支撐當代慾望的心理迴路。與之形成對位的是 Nicolas Lefeuvre 的墨畫作品融合了亞洲水墨傳統的嚴謹性和建築學訓練形成的構圖框架。Lefeuvre 運用層層疊加的墨汁、金粉和書法，構建出充滿氛圍感的場域，呈現時間的密度——那些被收集、沉積並懸置於記憶中的片段。
Wolf & Nomad
成立於2018年
邁阿密
Wolf & Nomad 匯聚四位拉丁美洲藝術家，他們以當代視角重新詮釋祖傳的工藝傳統。Alejandra Aristizabal 呈現以傳統製作工序為基礎的大型纖維雕塑；Carla Freschi 則以手工刺繡從當代視野重新演繹歷史悠久的紡織技法。Christian Abusaid 的作品取材自與平衡、精神健康與福祉相關的古老象徵，透過創新的材料運用，轉化為精緻而具概念性的視覺語言。Vanessa Valerio 的織毯作品進一步拓展傳統媒介的邊界，發展出出人意料的全新形式。儘管媒材與方法各異，藝術家們皆致力於承襲傳統技藝與集體記憶，呈現當代拉丁美洲藝術中對文化延續性的思考。
